Москва. Третьяковская галерея. Картины, знакомые с детства.

«Охотники на привале» — картина русского художника-передвижника Василия Григорьевича Перова, написанная в 1871 году и относящаяся к позднему периоду творчества художника.

Государственная Третьяковская галерея — московский художественный музей, основанный в 1856 году купцом Павлом Третьяковым. В 1867-м галерея была открыта для посещения, а в 1892 году передана в собственность Москве. На момент передачи коллекция музея насчитывала 1276 картин, 471 рисунок, десять скульптур русских художников, а также 84 картины иностранных мастеров. wiki

После революции 1917 года галерею национализировали, а коллекция стала пополняться из конфискованных частных собраний и музеев. В 1985-м Государственная картинная галерея на Крымском Валу была объединена с Третьяковской галереей и образовала единый музейный комплекс Новая Третьяковка вместе с Центральным домом художника. В здании в Лаврушинском переулке была размещена коллекция живописи с древнейших времён до 1910-х годов, а в отделе на Крымском Валу — искусство XX века.

По состоянию на 2018 год экспозиция насчитывает более 180 000 предметов и включает в себя предметы живописи, скульптуры и изделия из драгоценных металлов, созданные с XI по XX век. Музей расположен в здании, построенном в 1906 году, — объекте культурного наследия народов России федерального значения и охраняется государством.

1838 Венецианов А.Г. «Петр Великий. Основание Санкт-Петербурга»

Открытие реставраторов в Москве: в Третьяковке обнаружили, что портрет Петра Первого кто-то дорисовал. По этому поводу началось настоящее расследование.

Репортаж Людмилы Моисеенко.

Специальные подвалы Третьяковки. Попасть сюда редко кому удается. Осторожно — шедевры. Женщины-реставраторы на коленях перед «Петром Первым — основателем Петербурга» Венецианова. Идет работа над оборотной частью холста. Старый клей и загрязнения кропотливо счищаются уже две недели.

Екатерина Волкова, заместитель заведующего отделом реставрации масляной живописи: «Очень большая вещь. Конечно, это, безусловно, надо делать профессионально аккуратно, потому что внизу живопись, мы чистим скальпелем. И если надавили излишне сильно — живопись может повредиться».

Картина поступила в галерею в 1935 году. И до недавнего времени считалась одной из самых неудачных работ Алексея Венецианова. Искусствоведы делали скидку на то, что он мастер небольших полотен, а тут вдруг два на три метра. Но как же были удивлены реставраторы, когда пришел срок слегка поработать над холстом.

Екатерина Селезнева, главный хранитель Третьяковской галереи: «Когда сейчас вот с помощью всех современных средств и технологий, включая рентген, картину перед проведением реставрации осмотрели, стало ясно, что, скорее всего, вот эта запись позднейшая и не авторская. То есть, что картина переписана, но не Венециановым, а кем-то другим».

Под верхним слоем сотрудники музея обнаружили традиционные венециановские деревца. На месте странного булыжника вырос настоящий гром-камень, у которого Петр принял решение о строительстве града. А на лице самого царя проявилась еще одна пара глаз.

Андрей Голубейко, заведующий отделом реставрации масляной живописи: «Лицо Петра тоже переписано полностью. Мы видим, что в процессе расчистки меняется изображение губ, носа глаз. Т.е. практически поворот головы».

Проводя исследования, сотрудники Третьяковки пришли к выводу, что во время одного из переездов картина была травмирована, нашлись глубокие царапины. Реставратор нанес новый грунт, который с картиной диссонировал, и, недолго думая, решил переписать ее. Имя лжеавтора хотят узнать. Не понятно пока, и в какое время произошел подлог.

Екатерина Селезнева, главный хранитель Третьяковской галереи: «Наши сотрудники сейчас работают в московских архивах, потому что понимают, что раньше денежные дела велись очень четко и что если действительно была заказана реставрация картины, об этом где-то должно быть свидетельство. То есть, где-то должна быть смета проведенных работ».

Парадоксально, но невежественному реставратору, его современные коллеги даже благодарны. Толстый слой инородной живописи много лет предохранял картину от разрушения. Состояние подлинника, написанного в 1838 году, оценивают как хорошее. В мае, когда галерея отметит 150-летие, настоящий «Петр Первый» займет свое достойное место здесь, где посетители начинают обход галереи.

Уже много лет парадную лестницу в Третьяковке не украшают шедевры живописи. В 94-ом году те, кто делал здесь ремонт, ошиблись с цветом. Холодный розовый не гармонирует с картинами. К юбилею галереи цвет стен поменяют.

Вместе с творением Венецианова на стенах парадной лестницы появится еще пять больших полотен. Реставраторы обновили «Итальянский пейзаж» Василия Петрова. Вернули истинную цветовую гамму «Виду города Николаева» Федора Алексеева. Над ним, кстати, тоже когда-то потрудились, переписав все в желтых тонах, вместо авторских серо-голубых. Вот последние мазки тонировки. Такому же завершающему этапу вскоре подвергнется и вновь обретенный Венецианов.

До и после реставрации

 

Портрет А. С. Пушкина. 1827 Орест Кипренский.

С. Либрович сообщает, что портрет был заказан другом Пушкина, Дельвигом. Пушкин позировал Кипренскому в июне-июле 1827 года в шереметевском дворце.

Впервые картина экспонировалась на выставке Академии художеств в год своего создания.

На полотне Пушкин представлен по пояс с повёрнутой налево головой и скрещенными на груди руками. На правое плечо поэта накинут клетчатый шотландский плед — этой деталью художник обозначает связь Пушкина с Байроном, кумиром эпохи романтизма. Этот приём — реминисценцию — художник применял неоднократно. Так, в исполненных ранее портретах Швальбе и Авдулиной Кипренский цитирует Рембрандта и Леонардо да Винчи, здесь же он объединяет имена двух поэтов. В глубине изображена статуя Музы с лирой.

Портрет выполнен с «предельной завершённостью», тщательной отделкой деталей, что было вообще характерно для последних лет работы Кипренского. Цветовая гамма строго уравновешена. Художник передаёт «ощущение торжественной тишины, подчёркивающей значительность встречи с поэтом.
Пушкин написал по этому поводу стихотворение «Кипренскому». Некоторые из современников считали, что портрет верно передаёт черты лица поэта, другие критиковали работу Кипренского, который, по их мнению, не смог передать «изменчивое выражение лица», энергию, живость, свойственные Пушкину. Брюллов, по словам Шевченко, критиковал Кипренского, изобразившего Пушкина не поэтом, а «каким-то денди». Сам Брюллов предпочитал создавать образы людей искусства в момент романтического порыва, строя динамичную эффектную композицию с выразительным цветовым решением.

Либрович отмечает, что знавшие Пушкина считали этот портрет недостаточно передающим характерные черты «африканской породы», унаследованные поэтом от его прадеда Ганнибала, и которыми он гордился:

«Но зато работа Кипренского наиболее приближается к тому идеальному изображению, какового … ищут обыкновенно поклонники поэта». wiki

Осада Пскова польским королем Стефаном Баторием в 1581 году — Карл Павлович Брюллов. 1839 — 1843

Работа над картиной «Осада Пскова» по воспоминаниям современников далась Брюллову очень непросто. Признанный всей Европой благодаря своим знаменитым «Помпеям», живописец плодотворно работал в жанре портрета и жанровых сцен, но публика жаждала вновь увидеть монументальное многофигурное полотно. Да и сам Брюллов хотел снискать повторной славы, и как сюжет для новой картины он выбрал битву, когда сошлись войска польского короля Стефана и яростно оборонявшиеся жители Пскова и его пригорода.

Полотно, действительно, отличается сложнейшим композиционным построением. Известно, что Брюллов на этапе подготовки проделал огромную работу – создал целый ряд натурных зарисовок близ Пскова, изучил все сохранившиеся артефакты древности в самом городе, перечитал исторические исследования и свидетельства.

Говорят, что идею полотна художнику предложил сам император, который также составил примерную композицию для будущей картины, однако, Брюллов тут же вежливо раскритиковал её. Царь критику понял, но обиду затаил.

Полотну не было суждено повторить славы «Последнего дня Помпеи», картина так и осталась не закончена – масштабный замысел оказалось сложно реализовать под пристальным вниманием публики, ожидающей очередного триумфа, а «Осаду Пскова» сам Брюллов с грустью называл «досадой Пскова».

В 1843 году художник оставит работу над картиной, весной 1849 года Брюллов уедет лечиться за границу, а 23 июня 1852 года скончается в местечке Марчиано близ Рима.
И все же работа над «Осадой Пскова» стала своеобразной страничкой в его многогранном и гениальном творчестве.

Всадница — Карл Павлович Брюллов. 1832.

Творчество Брюллова внесло в живопись русского классицизма свежую струю романтизма. Произведения художника отмечены утверждением чувственной красоты человеческого тела, драматической экспрессией образов, тонким психологизмом.

Картина «Всадница» написана по заказу графини Ю. П. Самойловой и изображает ее приемных дочерей. Главное место в полотне принадлежит движению. Старшая из сестер — Джованнина — резко останавливает разгоряченного вороного коня, но сама остается невозмутимо спокойной (именно этот момент современники поставили в укор мастеру). Стук копыт и задорный лай пса, сопровождающего девушку на утренней прогулке, заставили выбежать на террасу ее младшую сестру Амацилию, образ которой решен более живо и блестяще передает непосредственность маленькой девочки. Композиция портрета-картины отличается четкой геометрической уравновешенностью, а изысканный колорит придает всему произведению парадный характер.

Явление Христа народу (Явление Мессии) — Александр Андреевич Иванов. 1837-1857.

А. А. Иванов, окончив Петербургскую Академию художеств, получил право на пенсионерскую поездку в Европу и в 1831 поселился в Риме, где подошел к мысли о создании грандиозного полотна, на сюжет к которому никто из художников никогда не обращался, — первое явление Мессии. Художник воспринял этот момент как вмещающий весь смысл Евангелия.

Большую роль в произведении играет пейзаж. На многочисленных эскизах можно увидеть, как все более и более возрастает в картине значение ландшафта, в котором происходят события. Работая над панорамой мира, Иванов обратился непосредственно к природе, его колористические открытия в передаче солнечного света и световоздушной среды во многом предопределили искания импрессионистов второй половины XIX века.

В 1858 художник вернулся в Петербург и привез с собой полотно, но оно не произвело на российскую публику и критику особого впечатления. Новаторские идеи, привнесенные Ивановым в искусство — широта постановки философских и эстетических проблем, глубокий интерес к истории, внимание к натуре, — были в полной мере оценены художниками конца XIX — начала XX века.

  При изображении стоящего на переднем плане мальчика Иванов взял за основу зарисовку русского мальчика и добавил ему восточных черт.

  Внешность некоторых героев, в том числе Спасителя, основана на статуях античных богов.

 

Пименов Николай Степанович «Парень, играющий в бабки» 1836

Игра в бабки была широко распространена на Руси, особенно в деревне. Есть сведения, что она была распространена уже в VI-VIII веках.

Для игры использовались бабки — специальным образом обработанные кости нижних суставов , чаще всего коровьи. У каждого игрока были свои кости и бита (литок или свинчатка — большая кость, залитая свинцом).
Бабки выстраивали гнездами по две или более и били по опреджеленным правилам, в зависимости от того, какой вариант игры выбраны плоцка, жог, кон за кон.

Пименов изображает девевенского парня за этой игрой. В 30-40-е годы XIX века в строгую систему академических жанров проникает новая тематика. Конкурсные программы на золотую медаль становятся разнообразней, мифологические и религиозные темы уступают место сюжетам, взятым непосредственно из жизни. Взятые из народной жизни бытвой сюжет переработан по академической программе. Произведение создано по академической программе.
В 1838 году статуи были отлиты из чугуна и установлены в Царском Селе перед Александровским дворцом.

Василий Пукирев. Неравный брак. 1862

Работа была написана в 1862 году, сразу после окончания Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Картина «Неравный брак» доставлена на академическую выставку 1863 года, своей общей идеей, сильной экспрессией, необычайным для бытового сюжета размером и мастерским исполнением сразу выдвинувшая художника на одно из самых видных мест в среде русских живописцев. За неё Академия наградила его званием профессора. wiki

Охотники на привале — Перов.

В творчестве Перова есть период, когда мастер избегает острых социальных сцен. Он обращается к жизни простой, обычной, знакомой. В ряду этих работ самой знакомой является именно картина «Охотники на привале».

В центре композиции три охотника, очень разные, но каждый из них по своему интересен и содержателен. Внимание двоих слушателей привлек страстный и увлекательный рассказ старшего, опытного охотника. В его позе, мимике, глазах святая вера в «истинность» истории, которую он решил поведать своим товарищам. Слушатели же относятся к рассказу по-разному. Молодой охотник жадно впитывает каждое слово своего опытного товарища, третий участник — мужчина средних лет — настроен скептически, каждое слово рассказчика он подвергает сомнению.

Если внимательно рассмотреть предложенную автором композицию, то идея становится ясной. Художник показал некий жизненный цикл: молодость, жадно познающая мир, впитывающая его с верой в чудо; затем наступает зрелость и опыт, когда ничего уже на веру не принимается и подвергается сомнению; зрелость сменяется старостью, живущую воспоминаниями, постоянно впадающую в идеализацию прошлого.

За простой и ясной работой глубокое содержание, философское, непростое. Критики отмечали убогость и напряжение, которые отличают окружающий пейзаж. Тревожное небо, летящие птицы, блеклая трава — все говорит об осени, засыпании, предчувствии зимы. Почему же художник выбрал столь мрачный пейзаж для обрамления своей картины? Скорее всего, для автора было важно сконцентрировать внимание зрителя на центральных фигурах картины, фон не должен отвлекать от главного в работе.

Герои картины — реальные люди, друзья художника, послужившие прототипами охотников. Как известно, и сам автор любил охоту. Поэтому каждая деталь картины написана со знанием дела. В левом нижнем углу картины мы видим восхитительный охотничий натюрморт, который, с одной стороны органично вписывается в общую композицию, с другой стороны, вполне может быть выделен в отдельную работу, написанную с недюжинным мастерством и реалистичностью.

Свет в картине концентрируется на лицах и руках героев. Этот старый прием, времен эпохи Возрождения, позволяет художнику полнее раскрыть внутренний мир своих моделей. Все охотники явно довольны результатами охоты, чему свидетельствуют трофеи, изображенные тут же. Художник изобразил людей разного социального происхождения, но всех их объединила охота, заставила забыть о жизненных реалиях и полностью отдаться древнейшему промыслу.

Интересно, что художник снова обратился к этому сюжету и создал еще одну картину для Русского музея. Вторая версия сюжета схематичнее, проще, цветовая гамма проще.

Охотники на привале, Василий Перов, 1877, авторская копия

Известно, что некоторые критики обвиняли художника в том, что изображенные им герои выражают излишне наигранные эмоции. Однако, разгадав замысел автора, можно считать это вполне оправданным. Подобный прием позволяет ярче обрисовать характер и внутренний мир героев, раскрыть символическую составляющую картины.

Радуга — Иван Константинович Айвазовский. 1873.

Творчество крупнейшего русского мариниста И. К. Айвазовского подчинено эстетике романтизма. На его полотнах часто бушуют штормы, ветры, поднимаются бури, влекущие корабли к гибели. Непостоянная, вечно изменчивая, подвижная морская стихия не только подсказывала художнику эффектные сюжеты, но давала ему возможность с необычайным мастерством передавать сложные рефлексы света, проникающие в толщу воды и отраженные на ее поверхности.

Мотив радуги — один из излюбленных в искусстве романтизма. Радуга, вставшая над штормовым морем, весьма завораживающее зрелище, особенно когда под ее дугой уходит под воду корабль, будучи не в силах противостоять разбушевавшимся волнам. Высокий вал скрыл горизонт, и люди, спасающиеся с корабля, борются со стихией. Здесь радуга является не просто редким природным явлением, в изображении которого художник может продемонстрировать свое мастерство живописца. Она становится символом грядущего спасения этих несчастных, их последней надеждой, она словно библейский символ прощения человечества.

Боярыня Морозова — Василий Иванович Суриков. 1884-1887. Холст, масло.

Раскол… Вот смысл, идея, сюжет великой картины. Тяжелые сани, на которых везут закованную в кандалы «царскую тетку», раскалывают толпу, как реформы патриарха Никона раскололи русский народ.

Как Леонардо да Винчи долго искал прототип для Иисуса Христа в картине «Тайная вечеря», так долго не мог найти Суриков «лицо» боярыни Морозовой. Редко встречаются в жизни такие лица, а люди подобные мятежной боярыне, встречаются еще реже. 4 года работал художник над своей самой гениальной картиной. Сотни этюдов, тысячи зарисовок, сотни тысяч исправлений, постоянные поиски. Результат принес мастеру бессмертие.

Несомненно, работа посвящена великой бунтарке, непокорной боярыне, родственнице самого царя. Лицо героини мертвецки бледно, руки бескровны. Отчаянный жест перед иконой Богородицы — последняя попытка отстоять «старую» веру.

Вокруг ссыльной боярыни собрались москвичи. По-разному они провожают раскольницу. Слева от нее группа дьячков, которые весело хохочут, наблюдая за «крамольной бабой». Они на стороне власти, поэтому уверены в справедливости происходящего.

Интересна реакция детей, изображенных в картине. Одни весело хохочут, подражая взрослым и не понимая смысла своей радости. Другие наблюдают за боярыней с нескрываемым страхом, напуганные ее фанатичным жестом, горящими от ярости глазами, кандалами на боярских руках.

В картине не найти ни одного счастливого женского лица. О ссыльной скорбят и боярышни в богатых шубках, и старушки, и девушки из народа. Особое внимание привлекает бледное лицо юной еще монахини, глаза которой переполнены ужасом.

Среди собравшегося народа легко разглядеть староверов. Их выдает одежда, особый взгляд, в котором тревога перемешана с откровенным страхом за свое будущее. Ничем не выдают себя единоверцы боярыни. Лишь юродивые без всякого страха повторяют «преступный» жест, тем самым выказывая свою искреннюю симпатию «государственной преступнице».

В толпе можно разглядеть и несколько татарских лиц, напряженных, внимательных. С невольным уважением смотрят мусульмане на бесстрашное поведение «еретички».

Зимняя Москва на фоне — словно в морозной дымке. На пути тюремных саней много храмов. И около каждого боярыня Морозова будет обращаться к москвичам со словом. Толпа не отстанет.

Вот так, под смех, улюлюканье, рыдание, скорбь, стоны, вопли юродивых, начинается новая эпоха Руси, эпоха раскола.

Девочка с персиками — Валентин Александрович Серов. 1887.

Картина «Девочка с персиками» была создана в 1887 году В. Серовым и является одним из самых значительных его полотен. Первоначальное название было «Портрет В.М.», где В.М. обозначает Верочку Мамонтову, которая была дочерью известного промышленника С. Мамонтова и часто виделась с художником в Абрамцево, в именье, где и была написана картина.

В дальнейшем название было изменено, поскольку на картине в самом деле получился не портрет конкретной девочки, а самый настоящий обобщенный образ самой юности — веселой озорницы, присевшей на минутку за стол. У девушки выразительные глаза с пляшущим внутри огоньком, будто она задумала какую-то новую проделку. Сама поза ее показывает, как нелегко ей усидеть даже недолгое время за столом, как хочется сорваться и убежать играть в сад. Холодноватый фон картины и строгая обстановка комнаты контрастирует с розовой кофточкой и красным бантом, оттеняется смуглым лицом девушки, ее темными глазами. Вся комната проникнута солнечным сиянием, которое подчеркивается мягкими тонами персиков и листьев, уже желтеющим деревом за окном. Нежный румянец играет на щеках девочки и гармонирует с персиками, находящимися неподалеку.

Жизнерадостность героини показана светлыми, радостными тонами, а ощущение ее чистоты и нежности усиливаются благодаря цветам белой скатерти, ярко сверкающего серебряного ножа. Эти отдельные элементы объединяются в единое целое на картине, обогащая образ. Как сразу после ее создания, так и сейчас, много лет спустя, эта работа поражает зрителя своей свежестью, легкостью, теплотой и радостью.

Прием волостных старшин императором Александром III во дворе Петровского дворца в Москве, Репин Илья Ефимович, 1885-1886

Картина исполнена по заказу Министерства Императорского двора, который был получен И.Е.Репиным летом 1884. Рама, изготовленная для картины по специальному заказу, увенчана гербом Российской империи и украшена гербами российских губерний. В картуше на раме помещен текст из речи императора: «Очень рад видеть вас; душевно благодарю за ваше сердечное участие в торжествах наших, к которым так горячо отнеслась вся Россия. Когда вы разъедетесь по домам, передайте всем мое сердечное спасибо, следуйте советам и руководству ваших предводителей дворянства и не верьте вздорным и нелепым слухам и толкам о переделах земли, даровых прирезках и тому подобному. Эти слухи распускаются нашими врагами. Всякая собственность, точно также как и ваша, должна быть неприкосновенна. Дай Бог вам счастья и здоровья».

Иван-царевич на Сером Волке — Виктор Михайлович Васнецов. 1889.

Картина Васнецова «Иван-царевич на Сером Волке» несомненно самое сказочное произведение русского изобразительного искусства. В основе сюжета — захватывающая народная сказка. Царевич с похищенной Еленой Прекрасной убегают от погони на верном Сером Волке. Тревожно всматривается царевич в дремучий лес, уверенно и крепко держит он Елену. Похищенная же полностью покорилась своей судьбе. Прижавшись к своему похитителю, она старается не смотреть вокруг, напуганная самим похищением, лесом, волком.

Серый Волк вызывает особый интерес у зрителя. У Волка особенные глаза — человеческие. Перед нами оборотень, или волколак, как его называли славяне издревле. Однако, нет в его облике ничего кровожадного или дикого. Его образ полон преданности, отваги, самопожертвования.

Быстро летит Серый Волк по лесу. Если внимательно приглядеться, то видно, что вся группа героев словно парит над лесным болотом, окруженном дремучим и зловещим лесом. Оживляют окружающий пейзаж болотные лилии и цветущая яблоня. Откуда взялась яблоня возле лесного болота? Эта деталь отсылает зрителя к сюжету сказки, в которой именно с яблони, приносящей золотые яблоки, все и началось.

Сказочность сюжета подчеркивает одежда главных героев. Расшитый золотом кафтан царевича прекрасно гармонирует с голубым шелковым одеянием Елены. Золотой и голубой цвета в славянской мифологии были крепко связаны с горним миром, магией, чудесами. Серый Волк отнюдь не серый, его шерсть золотисто-коричневого цвета, словно повторяет цвет одежды царевича, которому он служит. Вся картина наполнена неким загадочным мерцанием, чудом, самой сказкой.

 

Иван Сусанин. Константин Маковский

 

Это полотно было написано в 1914 году незадолго до смерти художника. Живописец готовил картину к празднованию 300-летнего юбилея дома Романовых в 1913 году. Из-за масштабности и сложности композиции Маковский не успел закончить работу к юбилею: помешали политические катаклизмы, начало Первой мировой войны, а вскоре и неожиданная смерть мастера. Следы картины на долгие годы затерялись. В 2016 году картина появилась на торгах английского аукциона «Сотбис», где и была приобретена российскими коллекционерами и привезена на родину.

 

 

 

В 1812 году. Илларион Михайлович Прянишников. 1873

Холодная зима 1812 года. Французы отступают. Великая армия по-прежнему полна сил, но уже не обладает той мощью, благодаря которой прошла пол-Европы. Ее солдаты ослаблены, дисциплина попрана и забыта. Русская армия, напротив, становится сильнее, чем в начале войны. Значительную роль в ее усилении играет партизанское движение. Многочисленные отряды действуют вместе с армией и в тылу врага. Все классы и сословия участвуют в борьбе с захватчиками – крестьяне, мещане, офицеры, принявшие на себя командование отдельными отрядами, и даже крестьянки.

На картине мы видим две противоборствующие стороны – французских солдат и русских партизан. Французы измотаны и деморализованы, они даже не стремятся оказывать сопротивление пленившим их крестьянам. Среди них кто-то старается теплее закутаться в одежду, кто-то прячет руки в карманы, кто-то просто бредет согнувшись. Они окружены взявшими их в плен партизанами, среди которых простые русские крестьяне, не только мужчины, но и женщины. Все они пошли в ополчение, дабы защитить свою землю от иностранных захватчиков.

Утро в сосновом лесу — Иван Иванович Шишкин. 1889.

Утро в сосновом лесу — одно из ярких произведений кисти И. Шишкина. Шедевр пропитан восхищением природы растительного и животного мира. На картине все смотрится очень гармонично. Зеленые, голубые и ярко-желтые тона создают эффект едва проснувшейся от сна природы. На заднем плане можно увидеть яркие золотистые оттенки – это намек на пробивающиеся лучи солнца. Они придают картине торжественную атмосферу. По земле еще клубится туман, изображенный довольно реалистично, и, если сосредоточиться на этой детали шедевра, то можно прочувствовать утреннюю прохладу.

Картина «Утро в сосновом лесу» — очень яркая и настолько реалистичная, что кажется, будто бы это не шедевр кисти, а снимок лесного пейзажа. Каждая деталь картины изображена профессионально, с любовью и трепетом. На переднем плане мы видим поваленную с корнем сосну, на которую взбираются медведи. Они резвятся, вызывая положительные эмоции. Для них утро нового дня является настоящим праздником. Медвежата так добры и безобидны, словно приручены. Кажется, что они не способны на жестокость и совсем не хищны, несмотря на свою животную природу.

Главный акцент картины – это сочетание солнечного света на заднем плане и медведей на дереве на переднем. Если визуально провести линию через эти объекты, то мы увидим, что они изображены художником наиболее ярко и насыщенно. Все остальное является просто легкими дополняющими зарисовками.

После побоища Игоря Святославича с половцами, Васнецов, 1880

Исход страшной битвы с половцами — сюжет картины Васнецова. Поле усыпано трупами. Судьба не пощадила ни опытного воина, ни юношу, жизнь которого прервала половецкая стрела. Они лежат рядом, пораженные дикими половцами.
Тела половцев и русичей лежат рядом. Смерть примирила их, уравняла, успокоила, разрешила все конфликты. Окровавленное оружие валяется ненужное, отслужившее. Мертвые руки еще сжимают красные щиты, бессмысленные теперь.
Над мертвыми телами схватились в драке стервятники. Они продолжают то, что люди уже закончили. Над полем восходит розоватая луна. Она словно отражает кровавое поле битвы. Совсем скоро мертвое поле накроет ночь. Битва окончена.
Природа в картине противопоставлена сюжету. Если люди — это смерть, то природа вокруг полна жизни.
Показывая одно из важнейших событий русской истории, Васнецов славит отважных русских воинов, воспевает их подвиг. Художник изобразил гораздо больше мертвых тел русичей. Действительно, битва закончилась победой кочевников. Но Васнецов не вносит в сюжет уныния или скорби, он внушает оптимизм и гордость за прошлое своей страны, своего народа. Васнецов — романтик, поэт в живописи — сумел создать полотно, способное воспитывать патриотические чувства зрителя.

Богатыри. (Три богатыря) — Виктор Михайлович Васнецов. 1898.

Картина Виктора Михайловича Васнецова «Богатыри» по праву считается настоящим народным шедевром и символом отечественного искусства. Создавалась картина во второй половине XIX века, когда среди русских художников была очень популярна тема народной культуры, русского фольклора. Для многих художников это увлечение оказалось кратковременным, но у Васнецова народная фольклорная тематика стала основой всего творчества.

На картине «Богатыри» изображены три русских богатыря: Илья Муромец, Добрыня Никитич и Алёша Попович — знаменитые герои народных былин.

Исполинские фигуры богатырей и их коней, расположенные на переднем плане картины, символизируют силу и мощь русского народа. Этому впечатлению способствуют и внушительные размеры картины — 295х446 см.

Над созданием этой картины художник работал почти 30 лет. В 1871 году был создан первый набросок сюжета в карандаше, и с тех пор художник увлёкся идеей создания этой картины. В 1876 году был сделан знаменитый эскиз с уже найденной основой композиционного решения. Работа над самой картиной длилась с 1881 по 1898 год. Готовая картина была куплена П.Третьяковым, и до сих пор она украшает Государственную Третьяковскую галерею в Москве.

В центре картины изображён Илья Муромец, народный любимец, герой русских былин. Не всем известно, что Илья Муромец не сказочный персонаж, а реальное историческое лицо. История его жизни и ратных подвигов — это реальные события. Впоследствии, закончив свои труды по охране родины, он стал монахом Киево-Печёрского монастыря. Был причислен к лику святых. Васнецов эти факты знал, создавая образ Ильи Муромца. «Матёр человек Илья Муромец» — говорит былина. А на картине Васнецова мы видим могучего воина и при том бесхитростного открытого человека. В нём сочетаются исполинская сила и великодушие. «А конь под Ильёй лютый зверь» — продолжает сказание. Мощная фигура коня, изображённого на картине с массивной металлической цепью вместо упряжки, свидетельствует об этом.

Добрыня Никитич по народным преданиям был очень образованным и мужественным человеком. С его личностью связано много чудес, например, заговорённая броня на его плечах, волшебный меч-кладенец. Добрыня изображён таким как и в былинах — величавым, с тонкими, благородными чертами лица, подчёркивающими его культурность, образованность, решительно вынимающий меч из ножен с готовностью броситься в бой, защищая свою родину.

Алёша Попович по сравнению с товарищами молод и строен. Он изображён с луком и стрелами в руках, но прикреплённые к седлу гусли свидетельствуют о том, что он не только бесстрашный воин, но и гусляр, песенник, весельчак. В картине много таких деталей, которые характеризуют образы её персонажей.

Упряжки коней, одежда, амуниция не вымышленные. Такие образцы художник видел в музеях и читал их описания в исторической литературе. Художник мастерски передаёт состояние природы, как бы предвещающей о наступлении опасности. Но богатыри представляют собой надёжную и мощную силу защитников родной земли.

Побежденные. Панихида — Василий Васильевич Верещагин. 1877.

До Верещагина в искусстве война демонстрировалась исключительно с ее «парадной» стороны. Выполнялись портреты героев, показывались масштабные картины победных операций, словом, всячески восхвалялись ее достижения. Великий мастер батальных сцен сумел показать нам войну с другой стороны. Это горе, беда, разруха и массовые человеческие жертвы — множество загубленных жизней, которые безжалостно поглотила военная машина.

На картине изображены всего два живых человека — это священник, который служит панихиду по павшим воинам, и командир, пришедший попрощаться со своими погибшими друзьями и солдатами. Все остальное пространство картины — это огромное поле, уходящее за горизонт и за пределы картины, полностью покрытое мертвыми телами. Это русские солдаты и офицеры, павшие в жесточайшем сражении под Плевной во время русско-турецкой войны. Этим лаконичным приемом художник наглядно продемонстрировал, что в любой войне с обеих сторон гибнет огромное количество людей, а выживают всего лишь единицы.

Полотно производит мощное эмоциональное впечатление на зрителей. Поражает и художественное мастерство, и масштаб исполнения. Вся правая часть картины — мертвенного, блеклого желтоватого цвета, причем тела павших практически сливаются с цветом земли. Это подчеркивает тот факт, что они уже не принадлежат к миру живых, а становятся частью земли, прахом. Множество жизней уничтожены просто потому, что кто-то решил воевать. Здесь война четко обозначена как бессмысленное, тупое и жестокое уничтожение самого ценного — человеческой жизни.

Сложную тему картины подчеркивает выбранный художником колорит — тусклые, невыразительные краски, темная одежда живых людей, мрачное, налитое свинцом дождевое небо. Сама природа надела траур по безвинно павшим героям Плевны.

Апофеоз войны — Верещагин Василий Васильевич. 1871.

Это полотно можно считать самым ярким и выразительным обличителем ужасов войны. Хотя она была создана под впечатлением от примитивной жестокости восточных завоевателей, у нее нет узкой направленности — она адресована всем, кто затевал и затевает войны. Недаром сам автор оставил на раме полотна надпись о том, что картина посвящается завоевателям прошлого, настоящего и будущего.

По легендам, за войсками Тимура оставались груды трупов и черепа, сложенные в пирамиду. Даже в те дни, когда жил художник, варварская традиция сохранилась — восточные правители рассматривали отрубленные части тела врагов как военные трофеи. Художник воспринял эту привычку как символ. В результате получилась уникальная по своей выразительной силе картина, которая не утратила своей актуальности и в наше время.

По силе воздействия на сознание смотрящего, заключенной в этом полотне, ее вполне можно сравнивать с лучшими произведениями Дали, настолько она пропитана самим духом символизма. Но, в отличие от Дали, ее символизм не безобиден и лишен абстрактности. Все, что изображено на полотне — это символы одного конкретного, безжалостного и неотвратимого бедствия — войны.

Лишив картину характерных временных, исторических зацепок, художник сделал ее отражением результата любых военных действий, вне зависимости от того, когда и где они могли происходить. Такой эффект война производила тысячу лет назад, в наши дни, такой она может остаться и в будущем. Полотно просто кричит об этом: «Люди, посмотрите, что вы делаете!?».

Огромная выразительная сила полотна достигнута минимальными художественными средствами. Перед нами обширная панорама, представляющая собой пустынную, выжженную местность с отдельными уцелевшими остовами сгоревших, обугленных деревьев. В ней нет жизни, нет ни капли зеленого цвета — только мертвый желтый песок и черные сухие деревья. Единственный признак жизни здесь — это стая черных воронов, символов смерти. Они на полотне везде — летают в небе, сидят на деревьях, справляют тризну по павшим.

Вдалеке виднеется разрушенный город, также изображенный желтыми «сухими» красками. Он пуст и заброшен, в нем не осталось жителей, вообще нет ничего живого. Всю эту картину массового опустошения освещает яркое безжалостное солнце под холодным, безжизненным и равнодушным небом.

На переднем плане полотна изображена огромная гора человеческих черепов, сложенных в пирамиду. На ней сидят вороны, а множество следов от ударов сабель и пуль свидетельствуют о том, что перед нами защитники и мирные жители города. Вот что принесла с собой война — смерть, разрушения и полное опустошение. Край, который когда-то был ярким и цветущим, полным жизни и радости, превратился в страшное место, где остались только падальщики.

На картине нет указания ни на конкретное место действия, ни на временной период, ни на того, кто совершил все эти злодеяния. Хотя изначально картина задумывалась как историческая, отражающая итоги походов Тамерлана, который славился своей жестокостью и особым пристрастием к отрубанию голов, замысел перерос сам себя. Полотно стало гениальным обличителем всех войн. Где бы они не велись, за что бы ни боролись люди, итог войн всегда один — массовые бессмысленные жертвы, разрушенные до основания города, плодородные земли, превращенные в бесплодные пустыни, населенные лишь воронами и ползучими гадами.

Художник, всю жизнь участвовавший в военных действиях и отдавший свою жизнь за царя и Отечество, как никто другой хорошо знал суть войны, видел ее итоги собственными глазами. Ему удалось создать уникальную по выразительности и символичности картину — яркое обличение безжалостности войны.

Утро стрелецкой казни. В. И. Суриков. 1881

«Утро стрелецкой казни» — картина русского художника В. И. Сурикова, посвящённая казни стрельцов после неудачного бунта 1698 года.

Картина «Утро стрелецкой казни» была первым большим полотном Сурикова на тему русской истории. Художник начал работу над ним в 1878 году. Он создавал картину в Москве, куда переехал на постоянное жительство после окончания Академии художеств. Художник обратился к событиям эпохи Петра I, когда Стрелецкий бунт, возглавляемый царевной Софьей, был подавлен, а стрельцы казнены. Однако Суриков не показал самой казни, так как он не стремился шокировать зрителя, а хотел рассказать о трагической народной судьбе в момент исторического перелома. Художник сосредоточил внимание на душевном состоянии приговорённых и том, что переживает каждый из них в последние минуты своей жизни.

На картине два главных героя — молодой Пётр, сидящий на коне возле кремлёвских стен, и рыжий стрелец, гневно смотрящий на царя. Этот неистовый человек представляет собой эмоциональный центр композиции. Его руки связаны, ноги забиты в колодки, но он не смирился со своей участью. В руках он сжимает свечу с взметнувшимся языком пламени. Пётр глядит на стрельцов не менее гневным и непримиримым взглядом. Он полон сознания своей правоты. Между фигурами стрельца и Петра можно провести диагональную линию, она зрительно демонстрирует противостояние этих персонажей.

Столь же эмоционально показаны и другие стрельцы. Чернобородый стрелец в накинутом на плечи красном кафтане мрачно, исподлобья озирается вокруг. И он не покорился приговору Петра. Сознание седого стрельца помутилось от ужаса грядущей казни, он не видит припавших к нему детей. Солдат выхватывает свечу из его разжатой бессильной руки. Склонившаяся голова стоящего на телеге стрельца предвещает его будущую участь. Солдаты волокут к виселице ещё одного обессилевшего стрельца. На землю брошены уже ненужные кафтан и колпак, чуть тлеет фитилёк свечи, выпавшей из рук. В отчаянии кричит молодая стрелецкая жена, сын прижался к матери и спрятал лицо в складках её одежды. Тяжело опустилась на землю старуха. Рядом с ней кричит охваченная страхом маленькая девочка в красном платочке.

Глубокий трагизм момента подчёркивает и тёмный колорит картины. Художник выбрал время изображения казни — утро после дождливой осенней ночи, когда только начало светать и над площадью не успел полностью рассеяться холодный утренний туман. В этой обстановке среди тёмной толпы выделяются белые рубахи осуждённых и мерцающие огоньки их свечей. В картине «Утро стрелецкой казни» Суриков применил композиционный приём сближения планов, сократив расстояние между Лобным местом, храмом Василия Блаженного и Кремлёвской стеной. Так он добился эффекта огромной народной толпы, полной жизни и движения, в реальности изобразив всего лишь несколько десятков персонажей.

Важное значение имеет и архитектурный фон картины. Пёстрые главы собора Василия Блаженного соответствуют фигурам стрельцов, а кремлёвская башня — фигуре Петра I на коне. Современник Сурикова Максимилиан Волошин писал: «Семи видимым главам собора соответствуют семь смертных свечей картины». В связи с этим ведущий научный сотрудник Института этнологии и антропологии РАН Людмила Тульцева заключает, что для картины символично число 7: на картине присутствует семь свечей, семь видимых с места события глав храма Василия Блаженного, семь стрельцов (одного увели, осталась лишь свечка, как изображение его души).

К сожалению, даже великие художники делают ошибки. В частности, это относится к антуражу и костюмам. К 1698 году Петр, вернувшись из Европы, носил только европейское платье. На картине на нем длиннополый кафтан. Зеленая форма преображенцев до 1720х годов не имела красных отложных воротников, как на картине, форма в 1698 году имела воротник «стойку». Шейные платки не повязывались «бантом», это началось при Елизавете. Местом основной казни было село Преображенское, но оно перенесено художником на Красную площадь.

А.П.Чехов. Портрет работы И.Э.Браза, 1898 г.

Слишком элегантным и манерным оказался портрет Антона Павловича. Художник изобразил его как обычного человека, который относился к типичной русской интеллигенции конца девятнадцатого века. Иосиф Браз создал изящный образ Чехова, который утопает в старинном элегантном кресле с бархатной спинкой. Лицо писателя очень тонкое. Оно склонено на бледную бескровную руку, а глаза за стеклами пенсне безгранично грустные и сухие. Вся картина написана в очень холодных и темных тонах, которые придают внешности Антона Павловича не только серьезное, но и даже какое-то болезненное выражение.

Открытое лицо Антона Павловича Чехова светится каким-то особенным лукавством. В нем ощущаются простота и бесстрашие. А лучистые глаза писателя выражают глубокую мысль и одновременно некую детскую непосредственность. И тем не менее, есть во всем образе несомненная интеллигентность, что добавляет особое очарование запечатленному образу Антона Павловича. А глядя на портрет Чехова, написанный Иосифом Бразом, невозможно не заметить, что здесь писатель выглядит гораздо строже и в то же время печальнее. В его образе уже нет той непосредственности, которая присутствует на фотографиях. Все черты лица стали как будто строже и жестче, а взгляд наполнен глубокой задумчивостью. Присутствует в нем некая холодность интеллигенции. Тем не менее описываемый портрет Чехова в Третьяковской галерее остается единственным произведением искусства, которое было создано еще при жизни величайшего писателя. Никто так больше и не решился взяться за кисть и написать Антона Павловича Чехова. Портрет этот был размножен в бесчисленных копиях, но истинным создателем уникального шедевра по праву считается молодой ученик Ильи Ефимовича Репина живописец Браз. отсюда

Сокровищница Третьяковской галереи располагает богатой и ценной коллекцией художественных произведений XII–XX веков, которые имеют в своем составе благородные металлы и драгоценные камни. Это разнообразные предметы церковного и светского назначения.

 

 

Советую всем, кто хочет посетить Третьяковскую галерею, посмотреть эту передачу:


Остальные фото-блоги из серии «Москва за 80 часов».

Москва в декабре.

Panorama360. Вид на Москву с 89 этажа. 

Архангельское. Музей Техники Вадима Задорожного.

Московская канатная дорога. публикация 01.02.2019


Добавить комментарий

Заполните поля или щелкните по значку, чтобы оставить свой комментарий:

Логотип WordPress.com

Для комментария используется ваша учётная запись WordPress.com. Выход /  Изменить )

Google photo

Для комментария используется ваша учётная запись Google. Выход /  Изменить )

Фотография Twitter

Для комментария используется ваша учётная запись Twitter. Выход /  Изменить )

Фотография Facebook

Для комментария используется ваша учётная запись Facebook. Выход /  Изменить )

Connecting to %s

This site uses Akismet to reduce spam. Learn how your comment data is processed.